Ces hymnes ont été composés sous le mode de l’improvisation dans les églises romanes Sainte-Etienne de Waha et de Somal (Belgique).

Cherchant à faire « corps » avec l’édifice, instaurant une forme de dialogue avec les réponds résonants des voûtes et arcades, la musique s’est spatialisée dans toute l’enceinte de pierres. Issue du silence, elle retourne au silence. Profondeurs et hauteurs, élans et raffinements, chemins d’attention et d’inattendus, écoutes et retenues…

Une écriture musicale originale, fondée sur l’acte d’être présent dans un lieu et sur l’expérimentation de la sonorité et que se déploie comme un ensemble fluide en perpétuel mouvement. Une musique « intemporaine » – selon l’expression de Jean-Paul Dessy. L’album « Hymns 64:46 » reprend les meilleurs moments de ces évènements.

Quels instruments ?

Pour moi la question ne se pose pas vraiment en termes d’instruments, ni de partitions. Mais de gestes, de palettes et de spatialisation. Ma « lutherie » (un laptop « préparé » et ses processus, un clavier midi, deux pads, des guitares…) répond à une écriture à la fois gestuelle (doigts, poignets, coudes, pression, caresse, presser, glisser), processive (activer, articuler, moduler) et acousmatique (mixage, réverbérations, résonances). Elle est en constante évolution. Mes palettes combinent des fréquences, des vibrations, des instruments classiques (piano, violons, guitare, flûtes…), des instruments du monde (gong, harpe chinoise, bansuri, bols…), des percussions (cloches, tambours, gamelan, tablas…), des textures, des motifs, des voix et des variations électro-acoustiques… Tout cela réuni me donne une grande liberté formelle, tout en respectant les cohérences de structures.

Pourquoi Hymns 64:46 ?

Au départ, j’étais sur le projet « musique des couleurs. ». Une pièce par couleur, exprimer la saveur de chaque couleur prise en focale. J’ai eu l’occasion de les jouer dans diverses églises, dont celle de Waha (Marche-en-Famenne) (*). L’expérience a très nettement renforcé l’aspect acousmatique de la spatialisation. J’ai rapidement intégré l’acoustique du lieu comme partenaire de jeu à part entière, modifiant en cela mon écriture. On ne dessine pas sur du vélin comme sur du carton…
C’est ce qui a initié le projet Hymns : trouver des lieux où l’acoustique permet ce dialogue et vivifier l’expérience sonore du public par des climats cinétiques étonnants. En choisissant, assez spontanément d’ailleurs, le mot « hymne », je voulais induire une filiation indirecte aux « Hymns Spheres» de Keith Jarret (**). Sur l’album, ce sont des prises en direct sans ajouts subséquents. Sur mon album Hymns 64:46, c’est pareil. « Hymnospheric »… ! Quant à 64:46 cela renvoie à une notion de totalité. 64 comme nombre de combinaisons possibles (yi-king, nucléides…) et, en miroir, 46, comme nombre de variations qui en seront produites. La verticalité qui infuse une horizontalité.

Hymnes au vert, au bleu, au blanc… des calligraphies sonores…

Je les ai appelée calligraphies en référence à la manière dont je joue ces pièces : une gestuelle sobre mais riche, et un état d’esprit, une vigilance. Tout en déployant une empathie qui capte l’énergie des auditeurs, leur présence, je fais corps avec l’acoustique spatiale pour rallier le point de convergence entre le recueillement le plus dense et son expansion la plus ample. C’est ce qui rend cette musique à la fois intime et ouverte au cosmos. Des voyages immobiles dont « le centre est partout et la circonférence nulle part »…